هل الفن محاكاة للواقع

محاكاة الفن

المحاكاة هو المبدأ النظري الأساسي في خلق الفن، وهي كلمة يونانية وتعني “التقليد” وتحدث أفلاطون وأرسطو عن المحاكاة باعتبارها إعادة عرض للطبيعة ووفقًا لأفلاطون كل الإبداع الفني هو شكل من أشكال التقليد، كما أنه كل ما هو موجود بالفعل في “عالم الأفكار” وهو نوع من خلق

الله

في الأشياء الملموسة التي يدركها الإنسان في وجوده

وهي تمثيلات غامضة لهذا النوع المثالي، لذلك فإن الرسام والتراجيدي والموسيقي هم مقلدون للتقليد وبعيدين عن الحقيقة مرتين في حديثه عن المأساة، كما شدد أرسطو على نقطة أنها كانت “تقليدًا لفعل” أي سقوط رجل من مرتبة أعلى إلى مرتبة أدنى، وأشار شكسبير في خطاب هاملت إلى الممثلين إلى أن الغرض من اللعب هو الاحتفاظ  بها، وهكذا فإن الفنان من خلال اختيار مادته وتقديمها بمهارة قد يسعى عن قصد إلى “تقليد” عمل

الحياة

.[1]

الفنون البصرية

في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي بدأ عدد من الفنانين البريطانيين وبعض الفنانين في روما بما في ذلك جيمس باري وهنري فوسيلي وجون هاملتون مورتيمر وجون فلاكسمان، في رسم مواضيع تتعارض مع اللياقة الصارمة والموضوع التاريخي والأسطوري الكلاسيكي وهي تعرف مسألة الفن التصويري التقليدي، كما فضل هؤلاء الفنانون الموضوعات التي كانت غريبة أو مثيرة للشفقة أو بطولية للغاية وقاموا بتعريف صورهم برسم خطي وتناقضات جريئة للضوء والظل، كما طور ويليام بليك الرسام الرومانسي الرئيسي الآخر في إنجلترا في وقت مبكر صوره الخاصة القوية والفريدة من نوعها.

وظهر النوع الرائع لرسومات

المناظر الطبيعية


الإنجليزية

الرومانسية في أعمال J.M.W. تيرنر وجون كونستابل، كما أكد هؤلاء الفنانون على التأثيرات العابرة والدرامية للضوء والغلاف الجوي واللون لتصوير عالم

طبيعي

ديناميكي قادر على إثارة الرهبة والعظمة وجميع هذه المواضيع نوع من أنواع الفن التصويري.

وفي

فرنسا

كان رئيس الرسامين الرومانسيين الأوائل هو البارون أنطوان جروس الذي رسم لوحات درامية للأحداث المعاصرة للحروب النابليونية وتيودور جيريكول الذي تم تدشين تصويره للبطولة الفردية والمعاناة في طوافة ميدوسا وفي صوره للمجنون والحركة كان ذلك في حوالي عام 1820حيث كان أعظم رسام رومانسي فرنسي هو أوجين ديلاكروا الذي اشتهر بفرشته الحرة والمعبرة واستخدامه الغني والحسي للألوان وتركيباته الديناميكية وموضوعه الغريب والمغامرة

بدءًا من الحياة العربية في شمال إفريقيا للسياسة الثورية في الداخل، كما يمثل Paul Delaroche و Théodore Chassériau وأحيانًا Jean-Auguste-Dominique Ingres المرحلة الأخيرة والأكثر أكاديمية للرسم الرومانسي في فرنسا وفي ألمانيا، حيث اتخذت اللوحة الرومانسية إيحاءات رمزية واستعارية كما هو الحال في أعمال فيليب أوتو رونج، كما رسم كاسبار ديفيد فريدريش وهو أعظم فنان رومانسي ألماني حيث رسم

مناظر طبيعية

صامتة وصارخة بشكل مخيف يمكن أن تثير في الناظر إحساسًا بالغموض والرهبة الدينية.

أيضاً الفن تداخل في الهندسة المعمارية في المقام الأول من خلال تقليد الأساليب المعمارية القديمة ومن خلال المباني الغريبة المعروفة التي جذبت العمارة القوطية في العصور الوسطى الخيال الرومانسي في إنجلترا وألمانيا وأدى هذا الاهتمام المتجدد إلى النهضة القوطية.[2]

فن عصر النهضة

تعدد فن عصر النهضة في العديد من الأشكال مثل الرسم والنحت والعمارة والموسيقى والأدب الذي تم إنتاجه خلال القرنين الرابع عشر والخامس عشر والسادس عشر في أوروبا تحت التأثيرات المشتركة للوعي المتزايد بالطبيعة، وإحياء التعلم الكلاسيكي والنظرة الفردية للإنسان، ولم يعد العلماء يعتقدون أن عصر النهضة يمثل قطيعة مفاجئة مع قيم العصور الوسطى  كما تشير الكلمة

الفرنسية

النهضة والتي تعني حرفياً “إعادة الميلاد”

وبدلاً من ذلك تشير المصادر التاريخية إلى أن الاهتمام بالطبيعة والتعلم الإنساني والفردية كانت موجودة بالفعل في أواخر العصور الوسطى وأصبحت مهيمنة في إيطاليا في القرنين الخامس عشر والسادس عشر بالتزامن مع التغيرات الاجتماعية والاقتصادية مثل الحياة اليومية وظهور الاقتصاد نقدي والأئتماني وزيادة الحراك الاجتماعي بشكل كبير جميع هذه عوامل ساعدة في نهضة الفن  في ذلك العصر.

وفي إيطاليا سبقت عصر النهضة “نهضة أولية” مهمة في أواخر القرن الثالث عشر وأوائل القرن الرابع عشر، والتي استلهمت من الراديكالية الفرنسيسكانية، حيث كان القديس فرنسيس قد رفض المدرسة الرسمية للاهوت المسيحي السائد وخرج بين الفقراء مدحًا

جمال الطبيعة

وقيمتها الروحية، وألهم مثاله الفنانين والشعراء الإيطاليين للاستمتاع بالعالم من حولهم ويكشف الفنان الأكثر شهرة في عصر النهضة وهو جيوتو دي بوندوني عن أسلوب تصويري جديد يعتمد على بنية واضحة وبسيطة وتغلغل نفسي كبير بدلاً من التصميم المسطح والخطي والتسلسل الهرمي

من مؤلفات من أسلافه ومعاصريه مثل الرسام الفلورنسي Cimabue والرسامين السينيون Duccio و Simone Martini، حيث عاش الشاعر العظيم دانتي في نفس

الوقت

تقريبًا الذي عاش فيه جيوتو ويظهر شعره اهتمامًا مشابهًا بالتجربة الداخلية والظلال الدقيقة والتنوعات في الطبيعة البشرية، على الرغم من أن الكوميديا ​​الإلهية تنتمي إلى العصور الوسطى في خطتها وأفكارها إلا أن روحها الذاتية وقوتها في التعبير تتطلع إلى عصر النهضة

كما ينتمي بترارك وجيوفاني بوكاتشيو أيضًا إلى فترة النهضة الأولية هذه من خلال دراساتهما المكثفة للأدب اللاتيني ومن خلال كتاباتهما باللغة العامية ولكن لسوء الحظ غمر الطاعون الرهيب عام 1348 والحروب الأهلية اللاحقة كلاً من إحياء الدراسات الإنسانية والاهتمام المتزايد بالفردانية والطبيعية الذي ظهر في أعمال جيوتو ودانتي ولم تظهر روح عصر النهضة مرة أخرى حتى بداية القرن الخامس عشر.[3]

الفن التجريدي

الفن التجريدي هو الذي يطلق عليه أيضًا الفن غير الموضوعي أو الفن غير التمثيلي أو الرسم أو النحت أو فن الرسم الذي يلعب فيه تصوير الأشياء من

العالم

المرئي دورًا ضئيلًا أو معدومًا، كما يتكون إلى حد كبير من عناصر يمكن تسميتها بمجردة مثل عناصر الشكل واللون والخط والنغمة والملمس، قبل القرن العشرين استخدم الفنانون هذه العناصر المجردة لوصف عالم الطبيعة والحضارة الإنسانية أو توضيحهما أو إعادة إنتاجهما وكان العرض يسيطر على الوظيفة التعبيرية.

تعود أصول الفن التجريدي بمعناه الدقيق إلى القرن التاسع عشر وهذه الفترة التي تميزت بمجموعة كبيرة جدًا من الفن التمثيلي المتقن الذي تم إنتاجه من أجل توضيح الحكاية، كما أنها أنتجت أيضًا عددًا من الرسامين الذين فحصوا آلية الضوء والإدراك البصري وكانت فترة

رومانسية

وقد طرحت أفكارًا حول الفن وأنكرت تركيز الكلاسيكية على التقليد والمثالية وبدلاً من ذلك شددت على دور الخيال واللاوعي كعوامل إبداعية أساسية

وبدأ العديد من رسامي هذه الفترة تدريجياً بقبول الحرية الجديدة والمسؤوليات الجديدة التي ينطوي عليها اندماج هذه المواقف، وكان تصريح موريس دينيس عام 1890 بأنه يجب أن نتذكر أن الصورة قبل أن تكون حصان حرب أو حكاية من نوع ما هي أساسًا سطح مستو مغطى بألوان مجمعة بترتيب معين.

ومع ذلك هناك تمييز عميق في الفن التجريدي من المظاهر حتى لو كان إلى حد عدم التعرف عليه لدى البعض، وهناك صنع للأعمال الفنية من أشكال غير مستمدة من العالم المرئي خلال السنوات الأربع أو الخمس التي سبقت الحرب العالمية الأولى، حيث تحول فنانون مثل روبرت ديلوناي وفاسيلي كاندينسكي وكازيمير ماليفيتش وفلاديمير تاتلين إلى الفن التجريدي بشكل أساسي، حيث كان ينظر إلى كاندينسكي بأنه تقليديًا رغم أنه أول فنان حديث يرسم صورًا تجريدية بحتة لا تحتوي على أشياء يمكن التعرف عليها في 1910-1911

ومع ذلك تم التشكيك في هذه الرواية لاحقًا، خاصة في القرن الحادي والعشرين مع الاهتمام المتجدد بالفنانة السويدية هيلما أف كلينت التي رسمت أول أعمالها التجريدية عام 1906 ولكن بهدف مختلف عن تحقيق التجريد الخالص، ومع ذلك اعتبر غالبية الفنانين التقدميين التخلي عن كل درجة من التمثيل باستياء خلال الحرب العالمية الأولى، مما أدى إلى ظهور مجموعة de Stijl في هولندا ومجموعة Dada في Zürich إلى توسيع نطاق الفن التجريدي.[4]